Em 2010, iniciei uma investigação sobre as relações entre gênero e práticas corporais a partir de uma série de pinturas. Recentemente, após revisitar algumas imagens daquele projeto e também produzir em 2012 material sobre "Arte e Esporte: diálogos possíveis na Educação Física escolar", destinado à palestra para alunos/as de Licenciatura em Educação Física da Universidade Federal Fluminense, decidi organizar o material para ser compartilhado aqui, acompanhado de textos breves. Assim, o objetivo é postar imagens acompanhadas de textos sucintos e informativos [que não se propõem acadêmicos], de trabalhos de artistas contemporâneos que tematizam o esporte em algumas de suas obras. Inicio com Andy Warhol e sua Athletes Series, realizada no final da década de 1970, ainda sob influência da Pop Art.
A Pop foi um movimento com identidade norte-americana, surgido no início da década de 1960, com artistas como Andy Warhol, Claes Oldenburg, Roy Liechtenstein, Tom Wesselman, James Rosenquist, entre outros. Incorporou a ideia de apropriação de imagens, com atenção especial para a relação entre a “arte” e a “técnica” (filme, foto, serigrafia, impressão etc.). Em geral, estava relacionada ao repertório de imagens do cotidiano de uma sociedade de consumo, no pós-guerra, com circulação de imagens e estetização do cotidiano, utilizando técnicas da cultura visual de massa, com desenho simples, antigestual, premeditado, derivado das propagandas e comunicações de massa, letreiros comerciais, histórias em quadrinhos, fotografias de jornais e celebridades. Privilegiou veículos bidimensionais, como a pintura e a gravura, com transferência direta da imagem através de colagem ou serigrafia (Mc´ARTHY, 2002; ARCHER, 2008).
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Campbell´s soap series [196-]
MoMA
Foto: F. Devide |
Nesse contexto, Andy Warhol tornou-se famoso na década de 1960, pela imagem icônica das latas Campbell [à dir.], seus filmes com duração excessiva, câmera fixa e ausência de narrativa; além de festas com celebridades, intelectuais e artistas, realizadas no atelliê “The Factory”, em Nova Iorque, cujo nome fazia alusão ao seu reconhecimento de que a arte não podia evitar ser tratada como mercadoria, da mesma forma que latas de sopa ou caixas de sabão.
“Nas mãos de Andy Warhol, caixas de sucrilhos Kellogg´s, pêssegos Del Monte e suco de tomate Campbell´s significavam abundância numa escala inconcebível antes da guerra (...) Esse era um mundo estranhamente duplicado de objetos à venda. As coisas representadas nas pinturas estavam disponíveis a pessoas de quase todas as classes, enquanto as próprias pinturas, que se mostravam altamente vendáveis como mercadorias de arte, estavam igualmente disponíveis, especialmente quando reproduzidas como gravuras, pôsteres e cartões postais” (McARTHY, 2002, p. 31)
Warhol produziu as primeiras imagens com pinturas sobre páginas de jornal – manchetes e fotografias trabalhadas com tinta e técnica de silk-screen. A repetição na obra de Warhol gera um ritmo, conseqüência do processo de impressão serigráfica. Por isso, em termos, produz uma arte que parece não ter autoria, que não diz sobre seu autor. Retoma a ideia do all over (repetição e ocupação homogênea do plano), com uso de cores em contraste. Na obra “Brillo Boxes” [1964], p. ex., caixas de madeira e não de papelão, receberam a impressão do rótulo do sabão Brillo pela técnica da serigrafia, demonstrando como Warhol se apropriava da imagem e não do objeto; e como problematizou a ideia da obra de arte como mercadoria.
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Marilyn Monroe dourada
211,4 x 144,7cm
MoMA
[1962]
Foto: F.Devide |
O artista também desenvolveu trabalhos que se associavam à morte, como a temática do desastre ou as imagens de ícones mortos, como Marilyn Monroe, Elvis Presley e Jack Kennedy. Nos anos de 1970, pintou ícones como Mao TSE Tung e Mick Jagger. Para Warhol, a sua obra devia circular como a cultura da sociedade de consumo que ele criticava.
“Na época em que Warhol e outros artistas pop dirigiam sua atenção para a fama contemporânea, eles tinham à sua disposição um panteão de indivíduos famosos cujas vidas eram assunto de intensa investigação e criação de mitos populares. (...) Não é de surpreender que o interesse dos artistas por celebridades revelasse o grau de envolvimento deles na perpetuação e manipulação da celebridade” (McARTHY, 2002, p. 37; 41).
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Athlete sSeries [1977-1979]
Andy Warhol |
Entre os diferentes trabalhos que utilizaram celebridades ícones das décadas de 1960-70, por sugestão de Richard Weissman, Warhol produziu “Athletes Series”, uma coleção de dez obras realizadas a partir de retratos em silk-screen, capturados de estrelas do esporte influentes do século XX. A série foi iniciada em 1977 e finalizada em 1979, sendo assinada pelos respectivos atletas.
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Andy Warhol e Pelé
[déc. 1970] |
A ideia por trás da série veio de Weissman, que sugeriu a possibilidade de associar atividades esportivas e artísticas, comumente não relacionais entre si, o que Warhol poderia buscar ao realizar a série de retratos em silk-screen. O colecionador Richard Weisman, que conhecia o artista por mais de duas décadas, dizia que Warhol não sabia a diferença entre uma bola de futebol e de golf. Por isso, escolheu os atletas e os visitou com o artista voando pelos Estados Unidos em quartos de hotel e outros lugares para fotografá-los com uma câmera polaroid, para que Warhol tivesse uma base para suas pinturas. Entre os atletas eternizados na série de Warhol, encontram-se: Dorothy Hamill, Pelé, Jack Nicklaus, Rod Gilbert, Muhammad Ali, Tom Seaver, Willie Shoemaker, Chris Evert, OJ Simpson, Kareem Abdul Jabar. A coleção foi roubada da casa de Richard Weisman, em Los Angeles, em setembro de 2009.
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Pelé
Athletes Series [1977-1979]
40 x 40 inches |
Referências
ARCHER, M. Arte contemporânea: uma história concisa. São Paulo: Martins Fontes, 2008.
Mc´ARTHY, D. Pop Art. São Paulo: Cosacnaify, 2002.
Notas do curso "História da Arte contemporânea", ministrado por Pedro França, Rio de Janeiro, EAV-Parque Lage, 2009.
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